ouverture
avant
travaux

Daniel Dewar est né à Forest Dean, au Royaume-Uni, en 1976.
Grégory Gicquel est né à Saint Brieuc, en 1975.
Ils vivent et travaillent à Paris

Depuis trois décennies, Daniel Dewar et Grégory Gicquel s’adonnent aux joies de la sculpture, un champ artistique historiquement référencé dont ils renouvellent les paramètres avec un plaisir non dissimulé. Leur pratique à quatre mains se caractérise par un formalisme inventif et débridé reposant sur un travail d’expérimentation à partir de matériaux aux qualités variées. Traitant de sujets figuratifs quotidiens ou exotiques, faussement héroïques et souvent triviaux, leurs œuvres, dont l’apparence peut sembler flirter avec l’académisme, font appel à des gestes, techniques et savoir-faire traditionnels comme la taille directe et le modelage, réenvisagés selon des modalités inédites.

Pot en grès avec fragments de corps et escargots est une sculpture en grès réalisée dans un four à bois traditionnel fabriqué dans l’atelier des artistes. L’échelle imposante de la pièce, la technique manuelle de son modelage et le mode de cuisson à haute température adopté permet, tout en répondant étroitement à un répertoire industriel reposant sur une logique de répétition, de développer une pratique ouverte aux hasards et aux accidents pour la composition de pièces hybrides articulant représentation du corps et éléments naturels.

Relevant d’une commande passée auprès des artistes, la courtepointe procède quant à elle à un inventaire de la flore du pays bigouden et de sa population d’insectes. Tout en célébrant le vivant dans une composition à la fois joyeuse, tendre et colorée, la technique adoptée par les artistes, en faisant appel à des procédés d’automatisation pour la représentation des différents motifs, interroge notre rapport au monde dans un effet ambigu de distanciation pointant les interrelations complexes développées entre le vivant sous toutes ses formes et le monde construit par l’ère post-industrielle.

Chloé/Claude Dugit-Gros et née à Paris, en 1981.
Iel vit et travaille sur l’Ile Saint-Denis.

Le dessin est une pratique fondatrice de la démarche artistique de Chloé/Claude Dugit-Gros. En faisant surgir ou en déclinant de larges séries de formes élémentaires, iel en expérimente les différentes techniques et modulations, le transposent sous forme de sculptures et d’installations spécifiquement pensées pour les lieux qui les accueillent, ou d’œuvres vidéo et d’actions performatives.

Le film Prestidugitation #2 est représentatif de cette démarche expérimentale. Il procède d’une série de compositions, tour à tour animées par la main de l’artiste, associant, comme sur la scène d’un théâtre miniature, objets divers et matériaux de rebut directement issus de son atelier. Dans la dynamique de ces assemblages remarquables d’inventivité formelle, de poésie et de malice, des références à l’histoire de l’art surgissent çà et là comme autant de clins d’œil.

Arina Essipowitsch est née à Minsk, en Biélorussie, en 1984.
Elle vit et travaille à Aix-en-Provence.

Arina Essipowitsch expérimente le médium de la photographie sous forme de vêtements, de tirages, de sculptures ou d’installations, activées par le biais de performances. Indissociable de son support qui est sujet, dans le contexte de sa présentation publique, à différentes formes de manipulation, l’image y est appréhendée comme un élément malléable et dynamique, en proie à différents effets de déformation, anamorphose, effacement, transformation et retournement. Arina Essipowitsch est lauréate de différents prix internationaux parmi lesquels le prix New Talent Award powered by Canon en 2018, le Prix FBZ Kunst, Psyche und Gesundheit en 2020, le Prix Polyptyque en 2021, et le prix du mois de la Photo de Grenoble en 2021.

Palimpseste (Kervahut) est une pièce sculpturale consistant en un tirage incisé, plié et structuré en 36 modules réalisé par Arina Essipowitsch à partir de photographies prises au cours de sa résidence à Kervahut en 2025. Déposée totalement pliée ou largement déployée sur le sol, elle sera activée par l’artiste et les étudiantes de l’École Européenne Supérieure d’Art de Bretagne à différents moments lors de l’exposition. Animant et mettant en volume la grange aux abords du plan d’eau du Moulin neuf qui constitue l’un des trois lieux d’exposition, elle témoigne à la fois de l’identité du site, de sa constante évolution au rythme des saisons et des changements à venir liés au projet architectural.

Pierre Huyghe est né en à Paris, en 1962.
Il vit à Santiago au Chili.

Les œuvres de Pierre Huyghe impliquent un ensemble très large de formes de vie intelligentes, biologiques et technologiques qui font l’objet d’évolutions et de transformations. Tout en explorant les rapports entre la fiction et le réel, elles expérimentent notre rapport au temps, à la mémoire et les modalités de présentation de l’exposition. Artiste majeur de la scène française, il est lauréat de nombreux prix internationaux comme le Prix du Jury lors de la 49e Biennale de Venise en 2001, le Prix Hugo Boss en 2002, le Prix Smithsonian American Art Museum en 2010, le Prix Roswitha Haftmann en 2013, le Prix Kurt Schwitters en 2015 et le Prix Nasher pour la Sculpture en 2017.

L’Écrivain public est un protocole de performance qui constitue un exemple précoce des systèmes autogénératifs de Pierre Huyghe, laissant une part importante à l’imprévu. Un auteur, désigné ici comme l’écrivain public, est chargé de prendre place dans l’espace d’exposition au moment d’un vernissage afin d’y observer attentivement ce qui s’y passe pour en dresser un compte-rendu. Une fois constitué, son récit est aussitôt imprimé et affiché pour être livré à l’attention du public, faisant œuvre à part entière parmi les autres exposées. Par son truchement, le visiteur est ainsi invité à participer à une expérience où il devient tour à tour acteur et spectateur de l’événement, objet et lecteur du texte. Le rituel de l’exposition est appréhendé ici comme un milieu perméable générant des interactions fluides entre les œuvres et les publics rassemblés, ainsi que les événements qui s’y déroulent. Il est pris comme sujet à part entière de la proposition performative.

Kevin Laplaige est né à Paimpol, en 1986. Il vit et travaille dans les Monts d’Arrée.

Paysagiste naturaliste, jardinier et artiste dramatique installé dans les Monts d’Arrée, Kevin Laplaige conçoit et crée des jardins depuis 2018, en Bretagne et Pays de la Loire. Son travail s’inscrit dans une exploration physique et intuitive de l’espace naturel et sauvage, basée sur l’observation et la connaissance de ses manifestations spontanées. Grâce aux disciplines croisées de la marche lente, de l’écriture et du jardinage manuel, il invite qui veut penser son jardin à un engagement de créateur qui ne soit ni virtuel ni purement conceptuel, mais à l’écoute d’usages et de réalités territoriales, écologiques, culturelles et sociales. Il s’agit pour lui de mettre de côté les représentations ou images prédéfinies pour qu’émergent des petits mondes les plus harmonieux, vivants et durables possibles.

Proposée en marge de la proposition performative éponyme inscrite dans le programme de performances de l’exposition, l’installation Amour monstre est une vaste installation réalisée dans le salon de la maison accueillant depuis 2024 les résidents du Fonds Kervahut. Tout en rassemblant différents documents, meubles et objets rendant hommage à Marie-Thérèse Carval, l’une des précédentes occupantes de la ferme, mais également, et de manière plus générale, aux anciens habitants de Kervahut (parmi lesquels Pierre Nédelec et son petit-fils Michel Morvan, animateur, avec son épouse Annick, du festival de Land art qui avait été mis en place dans l’environnement du plan d’eau du Moulin Neuf), il dessine une cartographie du paysage et un inventaire de ses sujets remarquables dans une tentative de définition de ce qui forge l’esprit du lieu et de sa singularité identitaire.

Pierre Nédélec est né à Plonéour-Lanvern, en 1880.
Il y a vécu jusqu’à son décès, en 1965.

Agriculteur et ancien propriétaire de la ferme de Kervahut, Pierre Nédélec, désigné localement comme le « paysan-sculpteur », s’est découvert à l’âge de 56 ans une passion pour la sculpture. Il a réalisé une quarantaine d’œuvres en bois de châtaignier au couteau, avec sa lame Pradel qui ont retenu l’attention de ses contemporains. Il est connu aussi bien pour la réalisation de cannes en forme de couleuvres que pour avoir reproduit plusieurs édifices remarquables. On lui doit ainsi la reproduction à grande échelle de l’Opéra Garnier à Paris et une maquette de la Cathédrale Saint-Corentin de Quimper, aujourd’hui conservée dans la salle des mariages de la mairie de Plonéour-Lanvern à qui elle a été léguée.

La maquette de la Cathédrale Saint-Corentin de Quimper frappe à la fois par sa taille monumentale, son sens précis de l’échelle et l’attention prêtée aux moindres détails architecturaux de l’édifice. Elle souligne la très grande maîtrise technique de Pierre Nédélec en tant que sculpteur et la grande ambition artistique prêtée à l’ensemble de ses projets. Quatre tableaux sculptés en bas-relief représentant l’Église de Plonéour-Lanvern, l’Opéra Garnier, le Château du Doury et un autoportrait complètent la présentation. Dans le dernier d’entre eux, où il est coiffé de son chapeau breton, l’artiste revendique à la fois son origine plonéouriste et ses statuts de jardinier et de sculpteur, pointant non seulement son lien intime avec le paysage campagnard bigouden, mais également l’existence d’une corrélation naturelle entre son activité professionnelle de paysan et sa démarche artistique.

Julien Prévieux est né à Grenoble, en 1974.
Il vit et travaille à Paris.

Lauréat du prix Duchamp en 2014, Julien Prévieux est un artiste français dont le travail pluridisciplinaire est régulièrement exposé en France et à l’étranger. Il aborde dans sa démarche artistique des champs aussi divers que l’économie, la politique, les technologies de pointe et l’industrie culturelle. Fin observateur de la société, l’artiste jette un regard à la fois critique et plein d’humour sur nos comportements individuels et collectifs.

Le Lotissement rassemble les modélisations en 3D de bâtiments qui furent des bureaux, ateliers ou laboratoires de personnages célèbres. Plus que des architectures notables, ils constituent autant de lieux où la pensée s’est mise en acte de façon remarquable, en retrait des contingences du quotidien. L’exposition rassemble sept de ces structures : la cabane de Henry David Thoreau, construite en 1845, dans les bois, près du lac de Walden, où il mena une expérience au contact de la nature, le chalet d’écriture de Charles Dickens, avec vue sur la Tamise, que son ami Charles Fechter lui avait offert en pièces détachées, la veille de noël 1864, le bateau-laboratoire construit par Alexander Graham Bell au cours des années 1890, dans sa propriété de Beinn Bhreagh en Nouvelle-Écosse, la maison de Monk’s House de Virginia Woolf, achetée par l’écrivaine et son mari Léonard en 1919 dans le village de Rodmell dans le Sussex où elle rédigea certains de ses plus importants romans, la cabane de George Bernard Shaw, construite dans le Hertfordshire, en 1924, orientable selon la position du soleil, le garage de William Hewlett et David Packard de Palo Alto, qui est considéré comme le lieu de naissance de la Silicone Valley en 1939, ainsi que le Cabanon réalisé par Le Corbusier en 1951 proposant l’aboutissement de sa réflexion sur l’espace de vie rationnel et fonctionnel réduit à son minimum et près duquel il se donna la mort à Roquebrune-Cap-Martin en 1965. Chacune d’entre elles donne forme à une intériorité qui marqua l’histoire intellectuelle et artistique des 19e et 20e siècles. Des tailles analogues à des boîtes crâniennes, elles peuvent être perçues comme des vanités architecturales.

Massinissa Selmani est né à Alger, en 1980.
Il vit et travaille à Tours.

Les coupures de presse qu’il collecte depuis de nombreuses années constituent pour Massinissa Selmani une source inépuisable d’inspiration. Rassemblant et juxtaposant certains de leurs éléments sous forme de compositions absurdes et énigmatiques, il crée des scènes à la fois décalées et ambiguës, humoristiques et tragiques, qui déplacent la perception de l’actualité et de notre quotidien. Explorant le dessin sous toutes ses formes (que ce soit sur papier, calque ou dans l’espace par le volume), son coup de crayon acéré lui a valu une mention spéciale du jury lors de la Biennale de Venise en 2015 et une nomination au Prix Marcel Duchamp en 2024.

Courtes animations vidéo, La place et le lieu et Perspective engagent différentes formes d’équilibre et de tension entre Nature et culture, environnement et bâti, histoire et quotidien. Scènes à la fois étranges, ambivalentes et poétiques, doublement empreintes de légèreté et de gravité, elles donnent libre cours à l’interprétation du visiteur. « Je n’impose pas de récit précis, commente l’artiste. C’est un cheminement fait de situations suspendues dans l’espace et le temps, où peut s’opérer une perte de repères, malgré le sentiment de reconnaître des choses qui semblent familières ».

Carte blanche aux étudiantes et étudiants de l’EESAB-site de Quimper

Laura Decams-Beaumier est née à Toulouse, en 1971.
Elle vit et travaille en Bretagne.

« Être en résidence à Kervahut avant travaux a été une rencontre avec le petit monde de Ludovic et Laurent, ce paysage son histoire et son projet. C’était choisir d’habiter ce lieu et envisager son devenir collectivement avec Camille Girard, Paul Brunet, Valentin Verron et le groupe d’étudiantes constitué. Vivre là ensemble et oser des gestes

Très vite, je suis entrée dans une sorte de dialogue avec les vieux bâtiments agricoles, leurs objets et traces comme endormis par le temps, la disparition progressive de l’activité.

Sous les poussières, la terre, la rouilles j’ai vu le paysage qui s’y invite çà et là par touches de couleurs. Alors, avec précaution, j’ai saupoudré discrètement à la craie d’écolier comme pour discuter avec lui du printemps et de sa transformation future en lieu d’art.

Puis il y a eu le bleu du moulin, les chants des oiseaux au petit matin, l’intensité du son de la cascade et l’eau sous les pas tout autour. J’ai imprégné des vieux draps de lin, des serviettes de table, j’ai sorti des châssis… Sur les topographies du paysage, j’ai fabriqué un pinceau avec les herbes dansantes du fond du Lanvern, je me suis entourée d’encres colorées et le jeu a commencé.

C’était décidé : « avant travaux », elles et ils habiteraient la vielle armoire renversée. »

Carte blanche aux étudiantes et étudiants de l’EESAB-site de Quimper

Mathilde Fernique—Blanck est née à Schiltigheim, en 2003.
Elle vit et travaille à Quimper.

Éva Huchet à est née à Strasbourg, en 1999.
Elle vit et travaille à Quimper.

« Bois de tempête.
La semaine de workshop à Kervahut organisée par Camille Girard, Paul Brunet et Valentin Verron nous est apparue comme une belle occasion pour travailler ensemble. Nos pratiques artistiques se rejoignent autour d’un goût prononcé pour l’écriture et pour le travail manuel, minutieux et chronophage.

Nous avons eu envie d’intervenir sur l’énorme tas de bois situé au fond de la grange parce que :
1. il est magnifique
2. il est énorme
3. c’est du bois de tempête.

Lors de notre séjour, nous avons écrit dix textes à quatre mains formant une chorale d’entités non-humaines racontant l’avant / le pendant / et l’après d’une tempête. Il était important pour nous d’écrire sur place, en relation étroite avec le paysage et ses habitant.e.s.

Les personnages de ce chœur sont :
1. des rochers
2. des arbres
3. un lac
4. des cloportes
5. le vent
6. des nuages
7. des nuages d’orage d’été
8. des animaux
9. des maisons
10. des brins d’herbe.

Nous sommes venues, par endroits, dénuder les bûches afin d’y pyrograver ces textes. La petite taille de l’écriture et son tracé tremblant invitent les spectateur.ice.s à s’approcher de plus près pour tenter de saisir leurs chants.
Ce travail est éphémère : à la fin de l’exposition le bois sera grignoté par les insectes, brûlé en bois de chauffe ou transformé en beaux meubles.

Objet annexe :
Nous avons installé, en contraste du grand tas de bois déjà présent avant notre arrivée, un petit tas de bois que nous avons épluché, dénudé, rendu propre, artificialisé. Ce geste obsessionnel nous a permis d’explorer notre goût du faux, de la copie, du décor ; fausser un objet pour le rendre plus vrai que l’objet original. »

Carte blanche aux étudiantes et étudiants de l’EESAB-site de Quimper

Keridwen Gilbert est née à Brest, en 2002
Elle vit et travaille à Quimper.

« Le rural étant au centre de ma pratique. Le workshop à Kervahut a été pour moi, le temps d’une semaine, un nouveau terrain de recherche. J’ai donc arpenté, photographié, filmé, dessiné, observé et été en contact avec la végétation, les petits insectes et l’eau. C’est ce contact que je recherche et que j’ai tenté de retranscrire dans mes productions. Ces relations entre l’humain et le paysage, le corps dans l’environnement m’ont permis de proposer des dessins de la flore alentour et de réaliser des vidéos. Par exemple, j’ai filmé mon amie et binôme Flore — une femme qui joue, qui expérimente et qui regarde le paysage.

Le cadre fermé de ma caméra me permet de jouer avec les échelles, du microscopique au gigantesque, et le hors-champs, omniprésent, donne la possibilité au spectateur de se laisser aller à de nouvelles narrations. »

Carte blanche aux étudiantes et étudiants de l’EESAB-site de Quimper

Lou Monsacré est née à Saint-Brieuc, en 1999.
Elle vit et travaille à Quimper.

« J’ai été séduite, dès notre première visite à Kervahut, par les rayons de lumière qui percent à travers la végétation et que viennent encore accroître la présence de l’eau qui jalonne le domaine.

Découverte aux premiers jours du printemps, la nature semble s’y mouvoir paisiblement, égayée  par le son des oiseaux qui viennent siffler à nos fenêtres dès le lever du jour pour ne plus s’arrêter jusqu’à la tombée de la nuit. L’atmosphère y est bucolique, voire, à certains égards, enchantée.

L’étendue d’eau est pourtant artificielle, ce qui renforce d’une certaine manière l’idée d’un décor planté, du début d’un conte à raconter basé sur un élément factice, construit par l’homme.

C’est sur cette relation entre le naturel et l’artificiel, la réalité et la fiction, que j’ai décidé d’orienter mon travail à l’occasion de cette exposition. J’y présente un tirage des environs du lieu-dit de moyen format, qui vient puiser sa source dans une forme de réalisme magique : « poussière, moins que poussière, silence, moins que silence, rien, et toujours cette vibration du chant (…) dans le rien manifesté du monde. » Christian Bobin, L’homme qui marche. »

Carte blanche aux étudiantes et étudiants de l’EESAB-site de Quimper

Sarah Uguen est née à Morlaix, en 2001
Elle vit et travaille à Quimper.

« Ma pratique s’articule autour du contexte rural dans lequel j’ai grandi : le Finistère nord, les villages en Plou, l’héritage du remembrement, un paysage entre tracteurs et motocross. Mon approche se veut sociale et emplie d’affects, avec des pièces peintes, brodées ou sculptées.

À Kervahut, j’explore la mémoire des lieux liée à Marie-Thérèse qui habitait là. Les récits, les objets et les fleurs du corps de ferme évoquent toujours cette vie passée ici. J’investis cette présence à travers les camélias du jardin, peints sur des mouchoirs et autres napperons, mais aussi par la broderie avec laquelle j’ancre l’image de cette maison néobretonne qui fut la sienne, remplie des souvenirs de toute une famille. »

Carte blanche aux étudiantes et étudiants de l’EESAB-site de Quimper

Flore Valette est née à Montidier, en 2000.
Elle vit et travaille à Quimper.

« Je porte un grand intérêt à la transmission des techniques artisanales, à la vie rurale, à l’usage de matériaux bruts et locaux, aux différents modes de vies et à l’autosuffisance. La semaine passée à Kervahut, ainsi que la rencontre avec « Scottie », le bélier de Ludovic et Laurent et le reste du troupeau, m’a donné envie de poursuivre mes recherches et expérimentations autour de la laine brute.

Né des montagnes, du vent et du froid hivernal, le manteau du berger en toile de jute et laine brute est un hommage aux traditions pastorales ancestrales et inspiré des cojoc cioban roumains.

La toile de jute, rude au toucher, rappelle les chemins rocailleux des transhumances, tandis que la laine de mouton offre une protection naturelle contre le froid et l’humidité.

Vêtement de l’errance et de la terre, il est plus qu’un manteau : c’est une seconde peau, un refuge, un fragment de nature porté sur les épaules. »

Jean-François Madec est né à Landerneau, en 1983. Il vit à Briec.
Il a fondé l’agence Jean-François Madec à Briec, en 2007.

Jean-François Madec est diplômé de l’École nationale supérieure d’architecture de Paris-La-Villette en 2007. En 2018, il fonde son agence en Bretagne. De lieux, de programmations et d’échelles contrastées, chacun de ses projets procède d’une même économie de moyen, d’une même volonté de produire une architecture culturellement représentative, du même respect de la singularité des lieux, de la même attention aux héritages constructifs et filiations symboliques qui y sont rattachés. Cette pratique artisanale par le questionnement nécessaire aux fondements de chaque projet, replace l’architecture dans son rôle le plus modeste et cependant le plus noble : celui du simple art de bâtir. Jean-François Madec a été mandaté par le fonds Kervahut pour imaginer et concevoir son pôle artistique.

Aurélien Meyer est né à Saumur, en 1979. Il vit à Rezé.
Il a créé l’Atelier blam à Nantes, en 2015.

L’Atelier blam, dirigé par Aurélien Meyer, se situe à la croisée de l’architecture et du design. Spécialisé dans la conception et la fabrication de dispositifs techniques et artistiques sophistiqués, cet atelier mêle plusieurs échelles et métiers, allant de l’architecture à l’ingénierie, en passant par les interventions artistiques et les installations in situ. Son approche vise à transformer des idées en objets techniques, fonctionnels et esthétiques, tout en affinant les méthodes de production et leur matérialité. Il a été mandaté avec Jean-François Madec pour concevoir Distag, un pavillon d’exposition mobile rattaché au projet de Kervahut, qui présentera des expositions d’art contemporain sur le territoire de la Cornouaille.